EL CHACAL DE NAHUELTORO (Miguel Littin, 1969)

 EL CHACAL DE NAHUELTORO es posiblemente la película más importante de la historia del cine chileno. Basada en un caso real que conmocionó al país en 1960, la obra es un pilar del Nuevo Cine Latinoamericano, utilizando una estructura de crónica periodística para lanzar una crítica demoledora a las instituciones sociales y judiciales. ​La película reconstruye la historia de José del Carmen Valenzuela Torres (interpretado magistralmente por Nelson Villagra), un campesino analfabeto y marginal conocido como "el Chacal". En un estado de embriaguez y miseria absoluta, Valenzuela asesina a una mujer y a sus cinco hijos en la localidad de Nahueltoro. ​La narrativa no se centra solo en el crimen, sino en lo que sucede después. Tras ser atrapado, José es enviado a la cárcel. Durante su tiempo en prisión, el sistema —que lo había ignorado toda su vida— finalmente se ocupa de él. José aprende a leer y escribir, aprende un oficio (la fabricación de hieleras), recibe instrucción religiosa y, por primera vez, adquiere conciencia de su propia humanidad y de la gravedad de sus actos. Una vez que el Estado ha logrado "rehabilitar" y "civilizar" a José, la justicia dicta que debe cumplir su sentencia original: la pena de muerte por fusilamiento. El punto central de Littín es la denuncia de una contradicción institucional absurda. El Estado gasta recursos en educar y dar dignidad a un hombre solo para poder ejecutarlo con la conciencia tranquila. La película plantea que José no era un monstruo por naturaleza, sino un producto de la negligencia social ("un animal humano"). Al "convertirlo en hombre", el sistema solo lo prepara para morir. A través del montaje, la película vincula la miseria del campo chileno con el crimen. El "Chacal" es presentado como una víctima del sistema antes de ser un victimario. Littín no justifica el asesinato, pero obliga al espectador a preguntarse: ¿quién es más criminal, el hombre que mata en la ignorancia o la sociedad que permite que existan hombres en ese estado de abandono. La Actuación de Nelson Villagra es histórica. Logra mostrar la transición de un ser casi feral, que apenas puede articular palabras, a un hombre que descubre la reflexión y el arrepentimiento, haciendo que el desenlace sea emocionalmente devastador para el público. ​La película provocó un debate nacional masivo sobre la pena de muerte en Chile. Fue un éxito de taquilla sin precedentes para un film de este tipo, demostrando que el cine político podía conectar profundamente con las masas. ​EL CHACAL DE NAHUELTORO consolidó a Miguel Littín como un cineasta comprometido con la realidad social de su país y sigue siendo, hasta hoy, una referencia obligatoria para entender la relación entre el cine, la justicia y los derechos humanos en América Latina.
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Paco Ibañez - Un espagnol à Paris (22.03.1969)

 

Adiós a las Noches Blancas / Проводы белых ночей" (Yulian Panich, 1969)

 

 

El 7 de febrero de 1947 nacía en Urusha la actriz Galina Nikulina. En 1979 fue distinguida como Artista de Honor de la R.S.F.S.R.

 

En 1969 protagoniza el melodrama "Проводы белых ночей" (Adiós a las Noches Blancas), largometraje dirigido por Yulian Panich sobre dos jóvenes: un periodista y una joven e ingenua trabajadora que se conocen al final de las Noches Blancas. La chica se enamora de su nuevo amigo con el sincero primer amor que solo llega a los 19 años, sin saber que para un ambicioso esteta como el chico, este es solo un episodio más en una eterna celebración de la vida. 

 

Galina Nikulina fallecía en 2020 en San Petersburgo, a los 73 años de edad.

Rendez vous avec Paris", court-métrage de Bernard Bos (juillet 1969)

 

Comprendre la région parisienne en 1969/INA

 

1969: Les Halles, mémoires du ventre de Paris

 

El realismo socialista y el Pop Art en el campo de batalla (Équipo Crónica, 1969)

El realismo socialista y el Pop Art en el campo de batalla
Equipo Crónica
Serie La recuperación
1969
Acrílico sobre lienzo
200 x 200 cm
Museo Reina Sofía, Madrid

Equipo Crónica se mueve en un territorio difuso entre la época del pop y el arte netamente pop. Por ejemplo, se reflejan, atinadamente, algunas de las reticencias que, tanto el Equipo Crónica como los críticos que siguieron de cerca a estos artistas, han mantenido en algunas ocasiones; así María García Yelo escribe lo siguiente: "aunque generalmente se adscribe el colectivo a la corriente de Arte Pop, los recursos habituales de esta tendencia fueron para ellos meros instrumentos que, combinados con otros elementos, dieron lugar a una obra de estilo propio y de evidentes connotaciones políticas. De hecho, su relación con diversos movimientos artísticos de implicaciones políticas fue más fuerte que su relación con el Pop Art americano, hacia el que incluso experimentaron una cierta hostilidad".

El cuadro de Equipo Crónica El realismo socialista y el Pop art en el campo de batalla (1969), parece subrayar la idea de un Equipo que se distancia prudentemente del pop, pero también del realismo socialista, para situarse en una suerte de ¿tercera vía?, que algún autor, en aquellos años, consideró que podía ser eficaz al combinar el compromiso político diáfano del realismo socialista con la utilización del lenguaje de masas que lleva a cabo el pop; en la España de los años 60, estas propuestas estéticas debieron verse como un pop comprometido desde la certeza (cuestionada en fechas recientes) de que el americano carecía de compromiso.

Fuente: Julián Díaz Sánchez

Elio Petri, Daniel Cohn-Bendit (Cinegiornale libero di Roma n° xyz, 1969)

 En 1969, le metteur en scène Elio Pétri (mon film préféré: I Giorni Contati, la meilleure incarnation du Ne Travaillez Jamais debordien) rencontre Daniel Cohn-Bendit (le libéral libertaire otanesque et ancienne figure de Mai 68) venu passer quelques jours à Rome. On dispose grâce à l’Archivio Audioviso del Movimento Operaio d’un entretien filmé en français enregistré via della Conciliazione, non loin de la basilique Saint-Pierre. Le scénariste Ugo Pirro est également présent: il apparaît parfois dans le cadre mais n’intervient pas dans l’entretien. À l’évidence, Pétri n’est guère convaincu par les propos du leader de la contestation étudiante. On a même l’impression qu’il réagit à son discours avec une certaine ironie et qu’il ne le prend pas très au sérieux.

Paris 1969 (robe à fleurs et choucroutes)

 

Sayat Nova : La Couleur de la grenade (Pardjanov, 1969)

 Sayat-Nova / Tsvet granata (Саят-Нова / Цвет граната)

Sergueï Paradjanov

URSS (Arménie) / 1969 / 79 min / DCP / VOSTF / Version restaurée

Avec Sofiko Tchiaoureli, Melkop Alekian, Vilen Galstian, Georgi Gegeckori.

Fruit d'une recherche formelle qui tient autant du rêve que du fantasme contre l'ordre établi, Sayat Nova revisite l'histoire du poète du même nom, troubadour du XVIII^e siècle, connu pour avoir écrit en arménien, géorgien et azéri. Une diversité culturelle que Paradjanov transpose dans une série de tableaux vivants, soigneusement composés, où chaque couleur, texture et geste deviennent les fils multiples d'une tapisserie aussi harmonieuse qu'énigmatique. Une célébration de l'identité transcaucasienne qui vaut au cinéaste censure et emprisonnement, et dont l'esthétique visuelle unique inspirera nombre d'artistes, de Godard à Lady Gaga.

« Aimable public, ne va pas chercher dans ce film la vie de Sayat-Nova, grand poète arménien du XVIII^e siècle. Nous n'avons que tenté de rendre par les moyens du cinéma l'univers imagé de cette poésie dont le chantre russe Valéri Brioussov disait : "La poésie arménienne du Moyen-Âge est une des éclatantes victoires de l'esprit humain inscrites dans les annales de notre monde." » (Sergueï Paradjanov)